"OT" o la quimera andaluza

HABLAN dejando un sutil acento de jotas aspiradas y hacen flotar en el aire las eses del final de las palabras en plural. Dicen que la música les sale de dentro, que cantan o tocan porque les hace tanta falta como respirar. Casi todos son andaluces y se llaman artistas a sí mismos. Saben más de arrebatos de presunta inspiración que de cualificación y esfuerzo, pocos han pisado alguna vez un conservatorio y menos todavía saben de universidades o libros.
A cada edición de «Operación Triunfo» o de algún programa parecido, la televisión se llena de andaluces. Suelen derrochar más descaro que talento y suplen sus muchas carencias con un gracejo natural que exagerado se convierte en un tópico cargante. Su empeño por convertirse en cantantes melódicos engolados es tan antiguo como el arrojo de los antiguos maletillas para escapar de la miseria toreando: «Más cornás da el hambre».
Y ahí están. Son el vivo ejemplo del atraso de esta tierra, el testimonio de su fracaso. Quieren escapar del horizonte gris y del aire sin esperanza de cambio y para eso se agarran a una ilusión vana, a un sueño irreal en el que aparecen con las masas rendidas ante una genialidad que sólo ven ellos. Igual que los novilleros viejos que querían sacar a la madre del patio de vecinos y comprarle una casa con servicio donde no tuviera que agacharse a limpiar el suelo. Pero como ellos, la mayoría acabarán revolcados por la vida y por la profesión, lastrados por quimeras vacías que además les impidieron aprovechar sus vidas en empeños que al menos les procuraran progreso personal y bienestar.
Bien entendida, la música es un arte que se lleva en la piel y que ayuda a respirar cada día. Su etérea emoción puede acompañar en cada momento y su belleza, si está bien fundada, jamás se agota. Da lo mismo un aria de «La Pasión según San Mateo» que una canción de Serrat, la soberbia catedral profana de Wagner que la ajada melancolía de Gardel. Cuando un músico ha escrito su alma en el pentagrama y los demás se han conmovido con ella, se produce un milagro que no entiende de mercadotecnia ni de número de discos vendidos. Nace entonces una comunión mucho más profunda y más duradera, porque no se justifica con un baile o una moda, sino con una necesidad espiritual.
Quienes lo consiguieron sabían hacer algo más que dar vueltas sobre sí mismos o remedar al ya de por sí insulso Luis Miguel. En el dominio de su arte y en la fertilidad de su imaginación fueron capaces de llegar a una grandeza cuya puerta se abre con la llave de la técnica y se empuja con la gracia de la inspiración.
Entre los peregrinos de la fama que cada año se humilla ante los arbitrarios horteras del jurado de «Operación Triunfo» es imposible que haya auténticos genios. Incluso no habrá casi ningún cantante a quien se pueda escuchar sin vergüenza ajena, pero que aspira a que el complicado engranaje del éxito fortuito le saque del tajo o de las manos cruzadas en casa de los padres. El pueblo resumía antes en una frase la aspiración de estos ilusos: «Vivir del cuento».
Desde 2002, innumerables andaluces se han puesto bajo los focos del teatro de las vanidades mostrando todas las carencias económicas, sociales, culturales y educativas de su tierra. El mejor ejemplo era Rosa, que tenía un diamante en la garganta pero era incapaz de expresarse y hablaba entre balbuceos. También estaba el guapo Bisbal, que se había hecho la ruta de los pueblos con una orquesta imitando a artistas de tercera y que hoy publica discos de ínfima calidad estética con canciones que le componen otros.
Desde entonces, aspirantes a Nino Bravo que salen de la ferralla, amas de casa que dejan a la familia para hacer el karaoke y flamenquitos sin muchas luces pero con un cum laude en fracasos han perseguido espejismos en la televisión. Seré un utópico, pero yo prefiero entre los andaluces menos artistas y más profesionales centrados y capaces de sacar a su tierra del atraso y la quimera.

Luis Miranda

La ROSS y Don Giovanni de Mozart en el Maestranza

DON GIOVANNIOssia, Il disoluto punito, K.V. 527Don Juan, o sea, el disoluto castigadode WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)


Dramma giocoso en dos actos.Libreto de LORENZO DA PONTE.Estreno el 29 de octubre de 1787 en el Teatro Nacional de Praga.

Dirección musical
Antoni Ros Marbá

Dirección de escena
Mario Gas

Escenografía
Ezio Frigerio

Vestuario
Franca Squarciapino

Iluminación
Vinicio Cheli

Don Giovanni, joven caballero licencioso, Barítono
Erwin Schrott

El Comendador, Bajo
Arthur Korn

Donna Ana, su hija, prometida de Don Ottavio, Soprano
Anja Harteros

Don Ottavio, aristócrata, Tenor
Saimir Pirgu

Donna Elvira, dama abandonada por Don Giovanni, Soprano
Virginia Tola

Leporello, criado de Don Giovanni, Bajo
Marco Vinco

Zerlina, campesina, Soprano
Raquel Lojendio

Masetto, su enamorado, Bajo
Wojtek Gierlach

Campesinos, criados, músicos ambulantes…

Nueva Producción del Teatro de la Maestranza con la colaboración especial del Ministerio de Cultura a través de la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales

Real Orquesta Sinfónica de SevillaDirector artístico Pedro Halffter

Coro de la A. A. del Teatro de la MaestranzaDiretor Julio Gergely

Fecha y hora: Abril de 2008.

Jueves 24. Sábado 26. Lunes 28. Miércoles 30.

20.30 horas


Aunque existen referencias literarias anteriores, es Tirso de Molina quien, en El burlador de Sevilla (1630), da forma a Don Juan, caballero español que, insaciable de goces, atropella toda razón aplazando el arrepentimiento para el fin de la sus días. Se inicia así la carrera de un mito, a la vez local y universal, de todas las épocas y de todos los lugares, parangonable solamente a Hamlet y a Fausto. Sin entrar en el campo de las artes plásticas, Molière, Stendhal, Baudelaire, Rostand, Byron, Hoffmann, Lenau, Puskin, Goldoni, Esproceda, Zorrilla, Azorín, Unamuno, Gazzaniga, Glück, Carnicer o Strauus, entre otros, nos han dejado sus visiones y reflexiones sobre este mito de origen sevillano.Con Mozart y Lorenzo Da Ponte, una de las personalidades más fascinantes de su tiempo, Don Giovanni se convierte pilare del género operístico y en título emblemático de todo el repertorio. Da Ponte basa su libreto en Il convitato di pietra de Giovanni Bertati con musica de Gazzaniga, ópera redescubierta en 1980 y programada esta misma temporada en Sevilla. Iniciada la partitura en el verano de 1787, el estreno tuvo lugar en Praga, la capital de Bohemia que había sabido disfrutar de la anterior ópera de Mozart, La bodas de Fígaro, que la voluble Viena no había acogido con demasiado entusiasmo.El enfoque sinfónico de todos los números, superando las piezas cerradas con una concepción orquestal, alejada del mero acompañamiento, apoyando la voz; los conjuntos donde cada cual expresa sus sentimientos libremente, la fusión perfecta de elementos giocosos con la tragedia definida por una música que llega a ser incluso tenebrosa… conforman una unidad de elementos de los que brota la complejidad de esta obra maestra. Desde la misma Obertura, que la tradición refiere que Mozart escribiera el día de su estreno, la simbiosis y sucesión los momentos graves con los desenfadados anuncian el dramma giocoso. El famoso catálogo de Leporello, el dúo de Zerlina y Don Giovanni, el Mi tradì de Doña Elvira… la maestría del conjunto armonizado de las tres orquestas en el baile del acto primero, las citas musicales de la “armonía”, grupo de instrumentos de viento con contrabajo, con obras propias y extrañas, entre ellas Un cosa rara de Martín y Soler amenizando la cena del burlador, o el truculento final -Deus ex machina- tan del gusto de la época, han hecho de Don Giovanni desde su estreno obra favorita tanto por su extraordinaria música como por su acción dramática. La nueva producción propia del Maestranza se encuadrada en el ciclo “Mitos de Sevilla”. Con la misma el Teatro completa, desde el establecimiento de su temporada estable, la trilogía Mozart-Da Ponte. Con dirección musical de Ros Marbá y de escena de Mario Gas, supondrá la presentación en el Teatro de la Maestranza, en el papel protagonista, del barítono Erwing Schrott, uno de los grandes del momento especialmente reclamado en el panorama internacional por su creación del libertino mozartiano.

Intreresante artículo de Ramiro Villapadierna

El «fortissimo», más suave por favor


La orquesta avanza sobre el pentagrama y, observando de reojo el símbolo de «ff», ahí donde el director hace ademán de llamar a sus músicos a rebato, éstos van a tener que colocarse pronto tapones en los oídos antes de atacar el «fortissimo». Aunque los funcionarios de la Comisión Europea no han estudiado necesariamente música, a resultas de su afán regulador el tal «ff» corre camino de reducirse a «f» y, por tanto, el «forte», a «mezzo-forte», que deberá verse corregido a un «mezzo-piano», y éste al «piano». O sea que el «fff» o «forte fortissimo» con que arrolla Furtwängler en su famosa «Novena» de Beethoven o el «fortissimissimo» agudo grande y en punta que pedía Toscanini a Renata Tebaldi, podría llevarlo a uno a comisaría.

«Oiga, le estaba pidiendo un fortissimo, no un molto fortissimo», le espetó Toscanini a un trombón, que harto de las exigencias de mayor vigor, acababa de soplarle al maestro casi en la oreja durante un ensayo de la Filarmónica de Nueva York. El caso es que los directores «parecen conocer varios grados de fortissimo, pero siempre más bien por arriba que por abajo», argumenta la gerente de la Sinfónica de Berna, Marianne Käch, donde hace días los músicos interrumpieron el estreno de «Wozzeck», de Alban Berg, por diferencias irreconciliables sobre el volumen que les exigía el director.
Hubo que instalar mamparas absorbentes para seguir y es que parece que el implacable papel climático del «fortissimo» no sólo está dañando los oídos de los músicos, tras cientos de ensayos y pases, sino que ahora va contra la nueva regulación en materia de ruido de Bruselas. Desde luego las sinfonías de Mahler, pueden caer en desuso.
Parece que hace doscientos años había menos ruido pues no aparece en partitura alguna nada por encima del «ff». Pero a partir del 1800 y con el romanticismo la música empezó a subir de volumen. Está dinámica del «gran sonido» toca a su fin y la primera víctima ha sido «Estado de sitio» de Dror Feiler, que debía ver su estreno mundial el pasado día 4 de abril. Como ha declarado Trygve Nordwall, gerente de la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara, tras alcanzar los 97,4 decibelios durante el ensayo, la pieza ha sido retirada de programa «no por motivos artísticos sino regulatorios».
«No me han dejado opción», dijo tras ver rechazada la posibilidad de tocar más suave o usar tapones de alta tecnología, como los músicos de rock. Ésta ha sido hasta ahora opción intocable entre músicos clásicos que dicen no expresar la misma calidad con tapones: «ensayar con tapones es como si Schumacher tuviera que entrenarse al volante con los ojos vendados».
El músico crea su propio ruido
La regulación exige proteger a los empleados de un ambiente de trabajo ruidoso, fijado en 87 decibelios, algo por debajo de un martillo pilón. Pero el director de la Association of British Orchestras se queja de que «estas regulaciones son para obreros que padecen un ruido externo fácilmente regulable. Pero el músico es el que crea su propio ruido». Algunas orquestas espacian sus ensayos y los musicólogos asumen que están alterando ya sus futuros programas, intercalando piezas suaves, y hasta los compositores se verían sometidos a regular sus arrebatos sobre el pentagrama.
Orquestas como la de la National Opera de Londres examina previamente las piezas, para indicar de antemano a los músicos cuando deben ponerse unos tapones de alta tecnología. Y en Alemania la medida fuerza a los teatros a instalar medidores entre los músicos, moverlos o instalar pantallas que proyecten por encima los excesos, pues siempre fue una lata para la pobre viola que le toca la tuba detrás.

Abbado por Sevilla, próximamente


El legendario Abbado planea grandes proyectos con sus orquestas en España después de que esta semana en Madrid haya triunfado dirigiendo Fidelio, de Beethoven, en el Teatro Real y un último concierto ayer junto a la Mahler Chamber Orchestra, poblada de talento fresco y explosivo.


Quien tuviera la oportunidad de escuchar estos días la energía que exprimía de sus músicos, con un sonido afilado, agudísimo y certero, ha podido comprobar que este músico milanés que ya es leyenda, el líder de una generación que dio un nuevo y sano aire a la dirección de orquesta, se ha convertido en una fuerza renovada de la naturaleza. “Me he encontrado muy bien, muy a gusto en Madrid. Éste es un teatro muy profesional y hemos pensado ya grandes proyectos para el futuro. Estamos planeando cosas maravillosas”, asegura Abbado, con los ojos encendidos por la ilusión.


Son proyectos de calado, que no únicamente se ciñen a contratos esporádicos por alguna ópera o algunos conciertos. Él lo explica. “Quiero que se desarrollen en Madrid y en Sevilla. Serán las dos ciudades donde la Joven Orquesta Mahler y la Joven Orquesta Mozart harán residencias cada año”, asegura. Es decir, un proyecto continuado y comprometido de formación de nuevos músicos equivalente al que Abbado mismo tiene en Lucerna (Suiza). O algo parecido al que realiza junto a José Antonio Abreu en el sistema de orquestas de Venezuela, con el que lleva algunos años de colaboración intensa.

El valor del arte

Algo para pensar: Aquella podría ser una mañana más, como otra cualquiera. Un sujeto entra en la estación de Metro, va vestido con un pantalón vaquero, una camiseta barata y una gorra y se sitúa cerca de la entrada...
Saca un violín de la funda y comienza a tocar con entusiasmo para toda la gente que pasa por allí, es la hora punta de la mañana. Durante los 45 minutos que estuvo tocando el violín, fue prácticamente ignorado por la mayoría de los pasajeros del Metro. La mayoría no sabía que ese músico era precisamente Joshua Bell, uno de los mejores violinistas del mundo, ejecutando sin parar las piezas musicales más consagradas de la historia, con un instrumento muy especial, un violín Stradivarius, estimado en un valor de más de 3 millones de dólares.
Unos días antes, Bell, había tocado en La Sinfónica de Boston, uno los mejores lugares. Las entradas del concierto costaban la bagatela de 1.000 dólares.
Esta experiencia que ha sido grabada en vídeo, muestra a hombres y mujeres que caminan muy rápido, cada uno haciendo una cosa, pero casi todos indiferentes al sonido del violín. Al final hay sopresa en el vídeo... quizá no pasa tan desapercibido para todos. La iniciativa fue realizada por el Diario The Washington Post, con la finalidad de lanzar un debate sobre el valor del arte, y de su contexto.
LA CONCLUSIÓN: estamos acostumbrados a dar valor a las cosas cuando están en un determinado contexto. En este caso, Bell, era una obra de arte en sí mismo, pero fuera de contexto, un artefacto de lujo sin la etiqueta de la marca.
Aquí podéis ver el video hasta el final, como digo, que merece la pena:
http://www.youtube.com/watch?v=hnOPu0_YWhw


Nueva sede para los conservatorios de Música y Danza

Los conservatorios profesionales de Música y Danza de Sevilla contarán con una nueva sede conjunta en el barrio de Nervión. La Delegación de Educación construirá un edificio para estas escuelas especializadas en un solar de 4.000 metros cuadrados situado tras el colegio público Borbolla, en la avenida de Luis Montoto. Actualmente este terreno alberga el Parque Móvil del ayuntamiento. El nuevo edificio, de los que todavía no se conoce la fecha para el inicio de su construcción, tendrá una edificabilidad de 12.000 metros cuadrados y contará con tres plantas y un semisótano. Para estas obras existe un presupuesto inicial de cuatro millones de euros, aunque todo hace pensar que se eleve una vez que el proyecto comience a realizarse Con este traslado y la construcción de las nuevas sedes se responde a una de las demandas del profesorado y los alumnos de estos centros que habían visto como las actuales instalaciones no respondían a las necesidades de la docencia. El actual Conservatorio Profesional de Música Cristóbal de Morales se encuentra en la calle Jesús del Gran Poder -en pleno casco histórico- y sus dimensiones se habían quedado pequeñas para la gran cantidad de alumnos que se matriculan cada año en él. Además, exigían una correcta insonorización de sus aulas para el correcto desarrollo de las clases. Los nuevos edificios darán respuesta a esta demanda. Una vez que abandone este emplazamiento a este lugar se trasladará el Conservatorio Elemental de Música (el primer nivel de esta formación) que se encuentra ahora en la calle Becas, cerca de la Alameda de Hércules. Su sede pasará luego a ser propiedad del Ayuntamiento hispalense. Todavía no ha trascendido el uso que se le dará al Pabellón de Argentina del Paseo de las Delicias, una vez que el Conservatorio Profesional de Danza abandone este lugar. Lo que sí se avanzó el delegado de Educación, Jaime Mougan, es la obra a la que se va a llevar a cabo en el Conservatorio Superior de Música, situado en la calle Baños, y que ocupa el solar del extinguido Convento del Carmen, que pasó a ser luego cuartel militar. La delegación tiene previsto que antiguas instalaciones de este recinto que aún se mantienen en pie se habiliten como auditorio, con lo que se atiende a una de las principales reclamaciones que se venía realizando desde años atrás.

SEMINARIO Y CONFERENCIAS ANTIGUOS


Mañana viernes el Festival de Música Antigua de Sevilla alcanza su meridiano tras una primera semana de andadura en la que la respuesta del público ha sido satisfactoria. El concierto del pasado domingo de la formación sevillana Artefactum en el Alcázar, el del maestro Leonhardt el lunes en la Iglesia de la Caridad y el del tiorbista Juan Carlos Rivera en la Real Academia Sevillana de Buenas Letras, vivieron llenos absolutos.

Las expectativas para esta segunda semana del Festival siguen siendo buenas. Las entradas para el concierto que ofrecerá en la Casa de los Pinelo (Real Academia Sevillana de Buenas Letras), el próximo sábado, la clavecinista Céline Frisch dentro del ciclo Bach, luz de Occidente en el que interpretará las Variaciones Goldberg, creadas por el compositor alemán para aliviar el insomnio del conde Hermann Carl von Keyserling, se agotaron un día después de salir a la venta. Tampoco pueden adquirirse ya localidades para el concierto de clausura que ofrecerá el día catorce de marzo en el Cuarto de la Montería del Real Alcázar la formación creada por Pablo Valetti y Céline Frisch que toma su
nombre, Café Zimmermann, precisamente del mítico lugar situado en la calle Santa Catalina de Leipzig, espacio que en el siglo XVIII abriera sus puertas a numerosos compositores, entre ellos Johann Sebastian Bach, figura a la que está dedicado el último concierto de esta vigésimo quinta edición del festival. Para el resto de los conciertos las ventas se sitúan alrededor del setenta por ciento, con lo que se espera que en la mayoría haya que colgar de nuevo el cartel de “agotadas las localidades”.

En esta segunda semana, los amantes de la música antigua podrán además participar en las actividades de formación que les propone el festival. Mañana viernes dará comienzo el Seminario “El Ars Subtilior en España”. Dirigido a intérpretes, tanto cantantes como instrumentistas, y a musicólogos e investigadores, el fin de esta actividad es alcanzar una profunda comprensión del repertorio polifónico tardo-medieval, para ello, el curso se ha enfocado estableciendo vínculos estrechos entre teoría, análisis e interpretación. A lo largo de tres días, desde el 7 al 9 de marzo, los alumnos además de estudiar las principales fuentes del repertorio y de analizar la obra de los compositores más representativos, podrán abordar de manera práctica las técnicas vocales e instrumentales específicas de la época profundizando sobre cuestiones retóricas, pronunciación histórica, afinación, conjunto vocal e instrumental. El seminario concluirá con una sesión de discusión sobre metodología y criterios de interpretación. David Catalunya, Guillermo Pérez, Maricarmen Gómez y Thierry Peteau, serán los encargados de impartir los distintos módulos de este seminario que abrirá las actividades paralelas del XXV Festival de Música Antigua de Sevilla y que tendrá lugar en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo”. Una vez concluido, dará comienzo el ciclo de conferencias que contará con la presencia de Pedro Memelsdorff el día 10 de marzo y de Marcel Pérès el día 11.

CARTA A LOS PERDIDOS. (CON COPIA A LOS BUSCADORES).
Queridos compañeros de viaje: nómadas, psiconautas, buscadores...Aunque nos llaman de muchas maneras, para nosotros la vida es una escalera de peldaños invisibles. Una prueba donde mil posibilidades se abren a cada instante como flores que dejan una estela de polen.


No os obsesionéis con la meta. Dejad que el camino os insinúe hacia donde vais; como en Ítaca: que el camino sea largo. Que sean muchas las mañanas en que lleguéis a puertos que nunca antes visteis.
Muchos miran tan lejos que no encuentran lo que buscan, otros ya no buscan nada. Es cierto: en la vida-basura, trabajamos para nada, desperdiciamos nuestro tiempo y lo llenamos de imposibles explicaciones. Pero por debajo, dentro y fuera, fluye la transparencia de la sencillez.

Todos, en el fondo, hemos buscado, intentado buscar, soñado buscar
o buscado en sueños el camino que nos mejore y explique la vida. Esa búsqueda es precisamente lo humano.

Caminante:El camino, no tiene intermediarios ni propietarios. Hay maestros y acompañantes pero los de verdad no cobran tasas.

El camino, ya lo sabéis, es para quien lo hace.
Obra: Caspar David Friedrich.
"Caminante sobre el mar de niebla" (1817-18).







LA BIENAL DE FLAMENCO PREPARA SU GIRA PROMOCIONAL EUROPEA 2008

La Bienal de Flamenco prepara la salida a diferentes ciudades europeas para desarrollar las actividades promocionales previstas en su calendario antes del comienzo de la decimoquinta edición que tendrá lugar del 10 de septiembre al 11 de octubre del presente año en Sevilla.

La Bienal arrancó sus visitas promocionales el pasado mes de noviembre con su colaboración en la Gala Flamenca celebrada en Pekín, Hong Kong y Sydney, además del desarrollo de talleres de guitarra, baile y cajón impartidos por Paco Cruz, Manuel Liñán y Sergio Martínez, así como con proyecciones de películas que hicieron posible pasear el Flamenco, de la mano de la Bienal, por el sudeste Asiático.

La Bienal recalará en la ciudad de Londres el día 10 de marzo con motivo de las actividades culturales previstas en el Instituto Cervantes de la capital y que organiza Flamenco Festival en la edición 2008 del 3 al 16 de marzo. A las 18:30 horas su director, Domingo González, moderará el primero de los encuentros con artistas denominado “Tres generaciones del Baile Flamenco”. La admisión es libre y contará con traducción simultánea para los asistentes. Completará la colaboración con Flamenco Festival el desarrollo de diversas acciones promocionales en París del 10 al 20 de abril.

En mayo, la ciudad de Mont de Marsan, recibirá por tercer año consecutivo, la visita de la Bienal de Flamenco. En esta ocasión se presentará la programación que estará ya en la calle. Además en julio se desarrollarán varios actos públicos dentro de la edición 2008 del prestigioso Festival francés.

También en mayo la ciudad italiana de Bolonia, y dentro del Festival Musicando que dirige Giorgio Zagnoni, contará con la colaboración de la Bienal que presentará su programación y desarrollará diversas acciones enfocadas a la promoción y difusión del Flamenco.

A LA VENTA LAS ENTRADAS DEL FESTIVAL DE MÚSICA ANTIGUA

El XXV Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS 08) pone a disposición del público las entradas para los trece conciertos de los que se podrá disfrutar desde el próximo 1 al 14 de marzo en diversos espacios de excepcional valor histórico-artístico de la ciudad como son la Iglesia de la Caridad, los Reales Alcázares, la Iglesia de la Magdalena, la Parroquia del Sagrario o la Real Academia Sevillana de las Buenas Letras ubicada en la Casa Palacio de los Pinelo.

De nuevo, el público sevillano y aquel que visite nuestra ciudad durante el festival, podrá deleitarse, por un precio muy asequible, con las interpretaciones de los más relevantes solistas y formaciones internacionales del ámbito de la música histórica, entre ellos, el director y clavecinista holandés Gustav Leonhard o la también clavecinista Céline Frisch, sin olvidar a los grupos Café Zimmermann, Mala Punica o Le Poème Harmonique y a directores de la talla de Pedro Memelsdorff o Marcel Pérès. Desde la organización del Festival se ha vuelto a abogar por poder ofrecer precios populares con el objetivo de convertir el festival, un año más, en un acontecimiento de la ciudad.

Para la mayor parte de los conciertos el precio se ha fijado en 10 euros. De esta forma se podrá asistir el día 2 de marzo a Artefactum, el 3 de marzo a Gustav Leonhardt, el 4 de marzo a Juan Carlos Rivera, el 6 de marzo a Tasto Solo, el 8 de marzo a Céline Frisch, el 10 de marzo a Mala Punica, el 11 de marzo a Ensemble Organum y el 13 de marzo a Canto Coronato. Únicamente los conciertos de inauguración y clausura, los días 1 y 14 de marzo, a cargo de Le Poème Harmonique y Café Zimmermann respectivamente, y el concierto del día 9 de marzo de la Orquesta Barroca de Sevilla con Gustav Leonhardt al frente, costarán 15 euros. Totalmente gratuita será la actuación que ofrecerá el Coro Barroco de Andalucía el domingo 2 de marzo en la Iglesia de San Jorge del Hospital de la Caridad a las 19.00 horas, las invitaciones se podrán recoger en el Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento de Sevilla sito en c/ El Silencio, 1. Para el resto de los conciertos y, hasta el comienzo del festival, momento en el que las entradas podrán adquirirse además en los propios espacios de representación una hora antes del comienzo de la actuación, éstas podrán adquirirse en la Taquilla del Teatro Lope de Vega o con cargo a tarjeta de crédito en el 95 459 08 67 y
www.generaltickets.com. Existen además a disposición del público dos tipos de abonos: el abono completo que cuenta con un descuento del 15% y el abono reducido de 5 conciertos, sobre el que se aplicará un descuento del 10%. Ambos abonos se venden únicamente en la Taquilla del Teatro Lope de Vega.

Los amantes de la música antigua que además de disfrutar de los conciertos programados para esta edición quieran participar en las actividades de formación que les propone el XXV Festival de Música Antigua de Sevilla pueden inscribirse desde ya y hasta el 7 de marzo en el Seminario organizado por el festival, “El Ars Subtilior en España”. Dirigido a intérpretes, tanto cantantes como instrumentistas, y a musicólogos e investigadores. El fin de esta actividad es alcanzar una profunda comprensión del repertorio polifónico tardo-medieval, para ello, el curso se ha enfocado estableciendo vínculos estrechos entre teoría, análisis e interpretación. En este sentido, además de estudiar las principales fuentes del repertorio y de analizar la obra de los compositores más representativos, el programa incluye un taller práctico en el que se abordarán las técnicas vocales e instrumentales específicas y se profundizará sobre cuestiones retóricas, pronunciación histórica, afinación, conjunto vocal e instrumental. El seminario concluirá con una sesión de discusión sobre metodología y criterios de interpretación. David Catalunya, Guillermo Pérez, Maricarmen Gómez y Thierry Peteau, serán los encargados de impartir los distintos módulos de este seminario que se celebrará los días 7, 8 y 9 de marzo en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla. La matrícula es gratuita y las inscripciones pueden formalizarse en el propio Conservatorio.

ROSS y OSE


Inmersa en la Temporada de abono de la Orquesta de Euskadi (0SE), la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla actuó ayer por primera vez en Vitoria. Durante esta semana La Real Orquesta Sinfónica ha participado en la política de intercambios que inició hace unos años La Orquesta Sinfónica de Euskadi. De esta manera habrá sido la primera vez que el público del País Vasco, así como el de Navarra ha escuchado en directo a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.
Con respecto a este intercambio, en fechas venideras, el público del Teatro de la Maestranza podrá disfrutar in situ de la Orquesta de Euskadi (0SE).

Calendario de la ROSS 18-22 febrero:

Lunes 18
Auditorio del Centro Kursaal
San Sebastián

Martes 19
Auditorio Baluarte
Pamplona

Miércoles 20
Palacio Euskalduna
Bilbao

Jueves 21
Teatro Principal
Vitoria

Viernes 22
Auditorio del Centro Kursaal
San Sebastián


Para más información:

http://www.rossevilla.com/calendario.html

http://www.euskadikoorkestra.es/home.asp

LOTTE REINIGER





Mañana, 12 de febrero, a las 19.30 h. podremos asistir a la inauguración de la exposición "La magia de Lotte Reiniger" en el Club Antares (C/Genaro Palardé, 7. Sevilla), donde disfrutaremos de un concierto/proyección en directo y nos recrearemos en la visión de la obra de esta talentosa cineasta y musa de la vanguardia alemana de los años 20, que dedicó tres años de su vida a crear el primer largometraje animado, "Las aventuras del príncipe Achmed", estrenado en 1926.


Mozart, es el hilo conductor de su vida y de su obra, basada en cuentos infantiles, leyendas y mitos. Lotte Reiniger amaba con pasión la música del compositor y se refugió en ella en los momentos claves de su vida para poder seguir comunicando con su arte personal.

Esta maga de las sombras define su cine así: "Una película de siluetas es una película de figuras negras de contornos claramente definidos, una película de recortes a tijera. De inspiración en el teatro de sombras chinescas, las películas de siluetas tienen una técnica muy precisa, sólo son necesarias unas tijeras, cartón negro, papel de calcar, hilo o alambre, algo de plomo, una cámara, bombillas, una placa de vidrio, madera para construir una mesa de fotografía y… mucha paciencia."


De esta exposición podremos disfrutar hasta el 1 de marzo y los que queden enamorados del arte de Reiniger podrán poner a prueba su destreza creativa, tijeras en mano, en el taller "El Arte de las Tijeras" que se desarrollará los sábados : 16 y 23 de febrero y 1 de marzo.

JORNADAS DE PUERTAS ABIERTAS.



Te gustaría conocer más allá de la sala de butacas y el escenario del Maestranza?.


El Teatro Maestranza celebra el día Europeo de la Ópera abriendo sus puertas para que se visiten sus instalaciones. Asimismo se podrá contemplar las nuevas reformas del equipamiento, la nueva maquinaria escénica, así como la escenografía empleada en la ópera El holandés errante.

La Cita:

Lugar: Teatro de la Maestranza, Paseo de Cristóbal Colón 22, Sevilla.
Fecha y hora: Sábado 9 de febrero de 2008. De 10,30 a 13,30 y de 17,00 a 19,30.
Acceso: Puerta Principal.

El acto se amenizará con Jean Louis Cortés y su “Macadam Piano”.

http://www.diariodesevilla.es/article/ocio/49521/maestranza/ofrece/manana/una/jornada/puertas/abiertas.html

http://www.teatromaestranza.com/secciones/prog/prog_ficha.php?id=190

LAS MÁQUINAS DE LEONARDO EN EXPOSICIÓN


Once de los artilugios creados por el genio italiano en el siglo XV se han podido contemplar en el Casino de la Exposición.
De carácter didáctico la muestra contó con monitores que expusieron a los alumnos de los colegios visitantes los secretos de las piezas expuestas.


Desde el 21 de diciembre hasta el 20 de enero y en horario de 10:30 a 13:30 horas y de 17:00 a 19:00 horas el Casino de la Exposición de Sevilla acogió la exposición denominada “Las Máquinas de Leonardo” que organizó como muestra itinerante Caja Mediterráneo con la colaboración del Instituto de la Cultura y las Artes ( ICAS ) del Ayuntamiento de Sevilla.

La exposición reunió once de las máquinas ideadas por el artista italiano del Renacimiento. Leonardo Da Vinci fue ante todo un gran observador de la naturaleza, por otra parte, fundamental para el descubrimiento. Una de sus grandes pasiones fue poder volar y buena parte de su tiempo lo dedicó a observar el vuelo de los pájaros y la forma de sus músculos y huesos. Además, fue pintor mundialmente famoso y a lo largo de su vida creó ingenios donde la originalidad fue su común denominador. Innovador y con una mente privilegiada inventaba sin parar creando artilugios tan variados como alas, barcos, hélices, odómetros (medidores de distancias), grúas de manivela para transportar carros de combate o buzos como sistemas para sumergirse bajo el agua, todos ellos de gran utilidad posterior para la humanidad.

Sevilla pudo contemplar once de los artilugios creados por este genio italiano nacido en 1452. La muestra itinerante permaneció abierta en tiempo de vacaciones navideñas por lo que fue un pretexto idóneo para que los niños de las escuelas de nuestra ciudad pudieran contemplar y admirar los inventos de Leonardo acompañados de sus familias.

De carácter eminentemente didáctico la exposición contó con monitores que explicaron a lo largo de todo el recorrido a los alumnos de los colegios visitantes las mil y una historias de los inventos de Leonardo expuestos en el Casino de la Exposición. Por tal motivo, se editó un cuaderno del alumno en el que se programan actividades, juegos y ejercicios estructurados en tres tiempos: antes, durante y después de la visita a la exposición. El recorrido se ameniza con una lectura de acercamiento al personaje y se sigue con experiencias relacionadas con palancas, pedales, manivelas, poleas, engranajes o tornillos, para terminar con una búsqueda sobre pistas y personajes.

La exposición “Las Máquinas de Leonardo”, inaugurada por el alcalde de la ciudad el pasado día 20 de diciembre a las 20 horas, ofreció una excelente oportunidad para conocer algunas de las creaciones más sorprendentes de este genial artista que vivió y pensó adelantándose a su propio tiempo.

En las mismas fechas; es decir, del 20 de diciembre y hasta el 15 de enero la exposición Frida Khalo. La gran ocultadora contó en imágenes la vida de la pintora mexicana. Esta muestra estuvo también organizada por Caja Mediterráneo y se pudo visitar en el Salón de Exposiciones del Ayuntamiento de Sevilla.

RUVÉN AFANADOR, CREADOR DEL CARTEL DE LA XV BIENAL DE FLAMENCO

RUVÉN AFANADOR, EL PRESTIGIOSO FOTÓGRAFO COLOMBIANO AFINCADO EN NUEVA YORK, AUTOR DEL CARTEL DE LA PRÓXIMA BIENAL DE FLAMENCO.

Las figuras más relevantes del mundo de la moda, el arte, el rock y la literatura han posado para él. Su obra última dedicada al mundo del flamenco podrá ser contemplada en una exposición que prepara la Bienal.

Ruvén Afanador, uno de los fotógrafos más prestigiosos, respetados y reconocidos internacionalmente, es el autor del cartel que expondrá al mundo la imagen gráfica de la XV edición de la Bienal de Flamenco que se celebrará en los meses de septiembre y octubre próximos.

Afanador nació en Bucaramanga en 1959. Desde pequeño le fascinó la contemplación de las escenas cotidianas que se desarrollaban en su Colombia natal y que fijaba en su mente. Su madre, como figura femenina, jugó un papel importantísimo en su vida hasta tal punto que considera a la mujer colombiana fuente de inspiración constante y permanente en su obra.

Su carrera fotográfica comenzó en Milán (Italia). A principios de la década de los 90 se trasladó a Nueva York, ciudad en la que actualmente tiene fijada su residencia. Desde entonces, sus fotografías aparecen en las revistas más prestigiosas como Vogue, Elle, Marie Claire, Vanity Fair, Rolling Stone, Time o New York Magazine. Ellas han elegido las fotografías de Ruvén Afanador para ilustrar sus portadas. Es fotógrafo de marcas como L’Oreal, Lancôme, Yves Sant Laurent, Carolina Herrera, Cacharel y Dior, entre otras.

Buena parte de las modelos y estrellas de Hollywood han posado para él: Val Kilmer, Lian Nelson, Janet Jackson, Liz Hurley, Beyoncé, Eva Longoria, Jennifer López, Salma Hayek, Sandra Bullock, Mónica Bellucci, Nicole Kidman, Jennifer Aniston, Celine Dion, Jane Fonda, Linda Evangelista, Christina Aguilera, Michael Jordan, Al Pacino, Robert de Niro, Penélope Cruz, Antonio Banderas e incluso, en su último trabajo las artistas flamencas como Esperanza Fernández, La Farruca, Eva Yerbabuena, Concha Vargas o Matilde Coral forman parte de una extensa y larga lista de celebridades que se han visto fotografiados bajo el prisma estético de Afanador.

Trabaja a menudo con fotografías realizadas en blanco y negro y ha publicado varios libros con su obra. El llamado “Torero” recoge momentos de la Fiesta que captó con toreros desconocidos y donde halló un equilibrio perfecto entre la luz y su entorno. Con “Sombra” prologado por Jean Paul Gaultier tuvo un acercamiento pasional y dramático al mundo de la danza.

En el año 2000 fue el ganador del premio “Fotógrafo del año Fashion Awards-París” y en 2003 recibió el premio del año por una de sus obras que fue escogida como la mejor fotografía en medios impresos.

La obra de Ruvén Afanador está considerada como simbólica y tradicional, romántica y costumbrista, emocional y misteriosa, sensual y perturbadora. Fija recuerdos, sensibilidades y emociones a través de cuerpos y rostros desafiantes. Detecta la belleza traspasando límites convencionales. Está considerado como un genio de la cámara y un maestro de la imagen.

En estos momentos trabaja en la fotografía que ha sido seleccionada como cartel oficial de la decimoquinta Bienal de Flamenco. Su presentación tendrá lugar en los próximos días. Asimismo, la Bienal prepara una exposición, que una vez comenzada la muestra, se inaugurará en nuestra ciudad con la obra más reciente del autor y que está vinculada al flamenco.

"La muerte de Tasso" en el Maestranza


Se estrena en España, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, la ópera del sevillano Manuel García “La muerte de Tasso”. Dicha obra le valió el reconocimiento como compositor tras estrenarla en la Academia Real de París. La ópera está inspirada en la vida del dramaturgo renacentista italiano, Torcuato Tasso (1544-1595). Su trágica vida se encontró inmersa en diversos episodios de locura que le obligaron a recluirse en un asilo hasta su muerte.
El compositor: Manuel del Pópolo Vicente García conocido como Manuel García (Sevilla 1775- París 1832) fue cantante, compositor, productor de ópera, director de escena y maestro del canto. Se considera como uno de los profesores españoles con más influencia en la ópera y creador de la saga de cantantes y profesores del canto más influyente del dicho XIX. En el año de 1792 debutó como tenor en Cádiz con la ópera “La Tonadilla” y en 1798 actuó en Madrid. Fue a partir de 1809 cuando comenzó su periplo por distintos países, Francia, Italia, Estados Unidos y México.Uno de sus hijos, Manuel García Sitches (1805-1906), además de convertirse en un excelente profesor de canto, fue el inventor del laringoscopio (1854).
La obra: “La muerte de Tasso”. Aunque el estilo de Manuel García se caracteriza por la asimilación y adaptación de los maestros italianos, dicha ópera de la muerte de Tasso es de gusto francés, la pensó para el público francés.La revisión de la partitura corrió a cargo de Juan de Udaeta. La parte coral se llevó a cabo por el Coro de los Amigos del Maestranza. Eleonore, la protagonista femenina, fué encarnada por la soprano Yolanda Auyanet, mientras el tenor José Ferrero interpretó a Torcuato Tasso. La Orquesta Joven de Andalucía con Pedro Halffter como director, fue la encargada de llevar a cabo la parte instrumental.

Para más información consultar los siguientes links:

http://sevilla.abc.es/20080103/cultura-cultura/orquesta-joven-andalucia-hace_200801030321.html
http://www.diariodesevilla.es/article/cultura/22130/maestranza/abre/ano/con/la/obra/maestra/sevillano/manuel/garcia.html

1. El Metal y sus colores.

Concierto didáctico dentro del XXIII Festival Internacional de Música Manuel de Falla. Cádiz.

Toda la potencia de los instrumentos de viento metal se extiende en el escenario para que los niños descubran las infinitas funciones, variedades y los estilos de los metales.
Sensaciones impresionantes y juegos sonoros especialmente diseñados para los más pequeños de la casa.
Los conciertos escolares y familiares tienen la voluntad de acercar el mundo de la música al público infantil, mediante unas producciones especialmente diseñadas para que padres e hijos puedan disfrutar juntos de unos espectáculos llenos de música, magia y diversión. Piezas de Verdi, J.S.Bach, Henry Purcell y otros compositores clásicos de diversas épocas, junto con temas de jazz o tradicionales sirven para presentar al público infantil los instrumentos de viento y sus distintos timbres. Además permite familiarizar a los niños con la música clásica, su vocabulario y el ambiente de un concierto. Con la ayuda de unos materiales didácticos que incluyen un cd con la música que se escuchará en el concierto, los profesores pueden preparar antes de la función al alumno y así complementar y facilitar el aprendizaje de la música y de los elementos que la forman.

Concepto y dirección musical: Pep Gol
Dirección escénica: Jordi Cardoner
Ilustraciones: África Fanlo
Organiza: Obra Social Fundación “La Caixa”.
Sala Central Lechera. 21- 23 de mayo de 2007.
Más información: http://www.aytocadiz.es/.

2. Prosigue el XXIII Festival Internacional de Música Manuel de Falla

Director: Jakub Hrúsa.Piano: Martin Kasík.Programa:“La Fuerza del Destino”. G. Verdi.“Concierto en Mi Bemol mayor N 5 “Emperador” para piano y orquesta”.Beethoven.“Cuadros de una Exposición”. Moussorgski/.Ravel .
La Orquesta Filarmónica Bohuslav Martinu de Zin es de más destacadas de la República Checa. Fundada en 1946 como Orquesta Sinfónica Bata. La especialización en la interpretación de su obra, hoy materializada en numerosas grabaciones de radio y CD, comenzó en los años setenta. La Revolución de Terciopelo de 1989 hizo posible establecer nuevos e intensos contactos con los países occidentales, así como realizar con más frecuencia giras al extranjero y múltiples grabaciones. El repertorio de la orquesta contiene casi todas las obras sinfónicas de diferentes estilos y épocas, así como una gran cantidad de composiciones contemporáneas. Desde el año 1972 esta orquesta organiza un festival sin precedentes de músicos jóvenes llamado “Talentinum”, al igual que el Festival de Otoño de la Música Sacra “Harmonia Moraviae”. Asimismo participa en los cursos internacionales para directores de orquestas, organizado en colaboración con la agencia Symphonic Workshops de Toronto.
Director: Jakub Hrúsa: Nacido en 1981 en Brno, cursó los estudios de dirección de orquesta en la Academia de las Artes Musicales AMU de Praga en la clase de J. Belohlávek y se perfeccionó con L. Svárovsky, J. Chvala y L. Matl. Entre los años 2000 y 2003 participó en varios concursos internacionales, obteniendo Mención de Honor del concurso del Festival Internacional Primavera de Praga, Premio Especial del jurado del mismo festival para el más joven y brillante participante checo, el 3er Premio en el Concurso Internacional Lovro von Matacic de Zagreb, 1er Premio “Summa cum laude” en el concurso internacional de Neerpelt y el 1er Premio en el concurso internacional de la Radio Checa de Praga “Concerto Bohemia” como director de la Orquesta Estudiantil Praga.
Piano: Martin Kasík: Es considerado el mejor pianista checo de su generación. Nacido en 1976, comenzó a dedicarse a la música a la edad de 4 años. Estudió piano en el Conservatorio de Ostrava con la profesora M. Tugendliebova, tras graduarse en 1997, entró en la Academia de Música de Praga siendo alumno del profesor I. Klánsky. Participa regularmente en cursos magistrales en el extranjero con Lazar Berman, Eugen Indjic, Chirstian Zacharias, Paul Badura - Skoda, Claude Herffel y Pierre Jasmin. En 1998 obtuvo el Primer Premio del Concurso Internacional de Leipzig y del Concurso Internacional del Festival Primavera de Praga. Su exitosa participación en concursos culminó en enero de 1999, cuando ganó el concurso Young Concert Artists International Auditions de Nueva York, entre más de 500 participantes. En el 2000, le fue otorgado el prestigioso premio Davidoff Prix y el Premio del Ministerio de la Educación y Enseñanza de la República Checa.
Ha ofrecido conciertos en importantes escenarios de todo el mundo, como el Lincoln Center de Nueva York, el Kennedy Center de Washington, el Suntory Hall de Tokyo, el Victoria Hall de Singapur, el Concertgebouw de Amsterdam, el Auditorio de Barcelona, el Finlandia Hall de Helsinki y el Rudolfinum de Praga. Ha tocado con la Rotterdam Philharmonic Orchestra, la Helsinki Philharmony, la Singapore Philharmony, la New York Chamber Philharmony. Ha grabado CD´s con las obras de J. S. Bach, Beethoven, Chopin, Schumann, Rajmaninov, Bartok, Fiser y Slavicky. Su grabación en vivo del concierto en Praga (Schumann, Rajmaninov) recibió el primer premio de la prestigiosa revista francesa “Repertoire”.
Más Información: http://www.aytocadiz.com.
Gran Teatro Falla. Cádiz. 19 horas.

3. Concertgebouw de Ámsterdam y su orquesta, principales responsables del elevado nivel musical holandés


Con unos 16 millones de habitantes, Holanda se encuentra actualmente entre los países más fuertes en el terreno de la música culta en general. La oferta, la calidad musical y el nivel de formación de músicos de este país supera con creces a la situación española, más aún si tenemos en cuenta que España cuenta con 44,7 millones de habitantes, casi el triple de la densidad de población holandesa.
Que el nivel de la oferta sinfónica sea tan elevado en Holanda, especialmente en Ámsterdam y en ciudades como Utrecht y Rótterdam, puede deberse en parte al hecho de la existencia de la Real Orquesta del Concertgebouw. La Koninklijk Concergebouworkest (en holandés) fue fundada hace más de 100 años y está considerada como una de las mejores orquestas sinfónicas del mundo. Mariss Jansons, su director actual, es una de las más reputadas y cotizadas batutas del momento, como también lo son los directores invitados que pasan cada año por cada uno de sus programas.
Su sede habitual es la Concertgebouw de Ámsterdam considerada por muchos como la mejor sala de conciertos del mundo, sin duda todo un símbolo de la cultura holandesa. En esta majestuosa sala hay conciertos los 365 días del año y es allí donde la Orquesta interpreta más de 80 conciertos al año. Por ella pasan los mejores directores y las mejores orquestas: Filarmónica de Berlín, Filarmónica de Viena, London Symphony, etc.
Su incesante oferta musical de primera calidad le ha asegurado poseer una amplia relación de patrocinadores y un público fiel, no sólo de residentes, sino también de turistas y jóvenes estudiantes. El ambiente musical holandés se mueve en torno a esta sala y sin duda es ella la máxima responsable del alto nivel musical del país.

4. El viaje a Simorgh no dejó a nadie indiferente


El compositor José María Sánchez-Verdú (Algeciras, 1968) lo sabía desde el principio. El viaje a Simorgh era una propuesta arriesgada, impregnada de primeras veces, como el empleo de electrónica o el canto en árabe. Sin embargo, se muestra tajante: “La música debe inquietar, renovar. Sin riesgo y aventura sería un aburrimiento tremendo”, asegura. Y eso es lo que ha hecho en su cuarta ópera. La representación de El viaje a Simorgh en el Teatro Real de Madrid, donde se repetirá en varias funciones hasta el día 17 de mayo, ha generado opiniones muy diversas, reacciones que han consistido en el aplauso o el abucheo. Sin término medio.
Tras el estreno absoluto, Sánchez-Verdú se muestra muy satisfecho ante esa reacción, que califica de “logro total”. “Lo contrario habría sido un fracaso”, reconoce mientras toma un descafeinado en uno de los múltiples cafés que rodean el Teatro Real, una zona que él conoce bien de su época de estudiante en el Conservatorio madrileño. “No dejó a nadie indiferente. Parecía que estaba en una final de fútbol o de rugby, con un 80 por ciento del público gritando bravo y un 20 por ciento de abonados tradicionales gritando ‘fuera”, describe el autor de la música y libreto de El viaje a Simorgh. Es más, esta repercusión le ha hecho pensar en “los estrenos de los buenos tiempos, como en la época de Stravinsky”.
El Premio Nacional de Música en 2003 no ha escatimado innovación ni riesgo en este trabajo, que está inspirado en Las virtudes del pájaro solitario, de Juan Goytisolo. Por ello asegura: “Sólo los que vienen con los oídos abiertos y sin prejuicios pueden realmente viajar y meterse en la música”. De hecho, la ópera presenta varias lecturas. En ella, además del texto de Goytisolo, aparecen referencias a textos de San Juan de la Cruz, de la poesía sufí, del Cantar de los cantares o de Leonardo da Vinci; creando un argumento cargado de interpretaciones.
“El día del estreno salió una señora diciendo: Maestro, no he entendido nada, pero estoy maravillada”, relata el compositor de Algeciras. “Cada persona puede quedarse a un nivel diferente de lectura”, sintetiza. Sánchez-Verdú reconoce las críticas, pero no le dan miedo. “Hay quien se sintió ofendido. Todo ese público que odia lo que no conoce o aquello que le hace pensar”. Él, por su parte, se queda con “la energía y la tensión en escena”, que tuvo su reflejo en “un silencio absoluto entre el público y una atención total”. Por todo ello, el autor de óperas como Gramma o Silence se muestra especialmente satisfecho del resultado. “Estoy muy orgulloso de ir rompiendo barreras. Alguien lo tenía que hacer”, asegura Sánchez-Verdú, que recuerda que hacía siete años que no se programaba en el Teatro Real una ópera de un compositor vivo. Eso sí, el trabajo ha sido agotador.
El proyecto de El viaje a Simorgh surgió hace cinco años, cuando Jesús López Cobos, director del Teatro Real, le hizo un encargo. Desde entonces ha estado dándole vueltas a este trabajo, creando melodías imposibles, sonidos nunca escuchados, escenas eróticas, místicas, y articulando una historia a partir de textos muy alejados en el tiempo. La recompensa fue el primer ensayo. “Es muy emocionante llegar y ver a todos los personajes imaginados en carne y hueso”, recuerda. Eso sí, a partir de ese momento, el trabajo se volvió aún más intenso para no olvidar ningún detalle en la puesta a punto. “Nunca he llegado a casa tan destrozado después de doce horas controlando, cambiando tantas cosas: orquesta, electrónica, uniones de escenas, cantantes...”, narra el compositor.
Entre sorbo y sorbo del descafeinado, Sánchez-Verdú va desgranando nuevos aspectos sobre la gestación y parto de esta obra de hora y tres cuartos de duración. “Todo el mundo pensaba que debía estar nervioso el día del estreno”, afirma con extrañeza. “Sin embargo, estaba tranquilo. Cuando el trabajo es serio y el equipo es bueno, no hay por qué tener nervios”, asegura. “Los compositores vivos existen”, enfatiza. Es su particular canto a la apertura de ideas y la aceptación de la música contemporánea. Afincado en Alemania desde 2001, reconoce que allí la situación es totalmente diferente y el estreno de obras contemporáneas no es una excepción. “El problema es que el público de ópera es el más conservador. En España, no se ha visto casi nada de ópera de los últimos sesenta años y muchas óperas del siglo XX siguen siendo rechazadas”. Afirma que la tradición está para reinterpretarla y ésa es su propuesta en esta partitura.
El viaje a Simorgh se representará los días 9, 10, 12, 13, 15 y 17 de mayo. Además, el 15 será retransmitida por Radio Nacional de España. Eso sí, advierte, “no es música para grandes masas, ni para vender discos”. “No está hecha para entender, sino para sentir”.
Diario de Sevilla: Carmen Álvarez

5. El imaginario de Goytisolo llevado a la ópera más heterodoxa


Juan Goytisolo publicó en 1986 una de sus novelas más destacadas de este reconocido y emblemático autor. Tras una larga etapa sumido en una enfermad de la cual desconocía el origen de sus dolencias intestinales, escribió "Las virtudes del pájaro solitario" (Seix Barral). 5,89 euros. Tras más de dos décadas de vida de esta obra, de 176 páginas; El Teatro Real, bajo la dirección artística, desde hace cinco años, del músico José López Cobos, "El pájaro solitario" se ha convertido en “El viaje de Simargh”. Una opera catalogada por críticos como Jesús Ruiz de Mantilla de heterodoxa, que “al igual que la literatura, huye hace tiempo, como lo hace la ópera contemporánea, del planteamiento, nudo y desenlace”.Hoy es el estreno mundial de esta arriesgada propuesta, que cumple con uno de los deseos más inconfesables del autor de la novela: “Mientras la escribía siempre la imaginé como una ópera: prosa y poesía”.

Entre los elementos que la diferencia de otras propuestas operísticas se encuentra, por ejemplo, el hecho de que se cante en 4 lenguas, que utilice elementos musicales provenientes de la electrónica y, como dice Ruiz de Mantilla en su reportaje publicado en el País Semanal, “la plasticidad de la ópera crea un ambiente entre kitsch y volcánico”.Los afortunados allegados al Teatro Real que han seguido los ensayos generales y el proceso de creación de este imaginario musical aseguran, según el mismo Goytisolo declaraba anoche en Noticias Cuatro, que le decían: “no he entendido casi nada, pero me he quedado maravillado”.El escritor depositó toda su confianza para esta recreación en el joven músico José María Sánchez Verdú, un compositor que vive últimamente inmerso en la vanguardia, explorándola en Alemania, donde reside, a la par que no olvida sus raíces árabes de su tierra natal: Algeciras.La aparición de esta nueva ópera “El viaje de Simargh”, supone además, la reedición de la novela de Goytisolo por Galaxia Guttemberg que incluirá los bocetos, dibujos y anotaciones musicales de éste nuevo viaje cultural.
http://www.teatro-real.com/
www.seix-barral.es

6. Magnífica carta al director: algún que otro aspecto de la educación musical en España


Me resulta imposible imaginar alguien con peores cualidades para la música que yo mismo. Tengo menos oído musical que el bueno de Van Gogh; de pequeño me expulsaron del coro del colegio cuando descubrieron que disimulaba haciendo playback con los labios y cuando mis padres cometieron la imprudencia de regalarme una flauta dulce la comunidad de vecinos se puso en pié de guerra. Y sin embargo este año tengo las máximas aspiraciones de convertirme en profesor de flauta -ese instrumento del que no sé ni colocar los dedos- en un conservatorio gallego. Leyendo el DOGA me he llevado la alegría de comprobar como en las próximas oposiciones no sólo cumplo de sobra el requisito para concursar: ser Licenciado, en mi caso en Derecho, si no que además las pruebas que tengo que superar son de lo más asequibles. Elaborar una unidad didáctica con los cientos de modelos que hay en Internet está hecho. El temario es cuestión de codos ¡Pan comido al lado del Derecho Romano! La única pega que algún amigo agorero me pone es que no sé tocar la flauta. Pero esto no me asusta; tocar el instrumento sólo vale 2 puntos sobre los 10 totales de la oposición y lo más importante es que esta prueba práctica ¡no es eliminatoria! Aunque ya cuento con un cero en este apartado, con horas de estudio del temario aspiro a una nota final en la oposición de ocho. Las plazas son muchas y los aspirantes no tantos. Muchísimos competidores de fuera de Galicia, muchos de ellos magníficos instrumentistas, no tienen nada que hacer pues tienen que superar la única prueba eliminatoria, un difícil examen de gallego que yo ya tengo convalidado. Con un poco de suerte antes de hacer el examen práctico –el último de la fase de oposición- es probable que ya tenga la plaza matemáticamente conseguida con lo que no tendré que pasar el trago de encantar al tribunal con mis dotes musicales. En el peor de los casos, con mi ocho en el bolsillo ocuparé un puesto de lujo en las listas de interinos ¡Qué no me digan que no sé hacer sonar la flauta!
Pablo Sánchez Quinteiro
http://www.lavozdegalicia.es/cartasaldirector/cartasaldirectorampliar.jsp?carta=carta363.txt

7. La SGAE pone la primera piedra de su auditorio


Alfredo Sánchez Monteseirín, presidió ayer el acto de colocación de la primera piedra del «Centro de Innovación Tecnológica del Entretenimiento», un nuevo espacio de 34.000 metros cuadrados, situado en el Parque Tecnológico de la Isla de la Cartuja, que estará terminado dentro de dos años, si los plazos de la obra se cumplen, y que costará a la Sociedad General de Autores y Editores, si no se desvía el presupuesto previsto, unos 12 millones de euros.
El nuevo edificio, diseñado por el arquitecto Santiago Fajardo, incluye platós, aulas de formación, laboratorios de creación artística, estudios de producción y postproducción de audio y video, y un escenario principal, de 870 metros cuadrados y con un aforo más de dos mil localidades (ampliable a 3.500 cuando el patio de platea quede diáfano), que podrá acoger producciones televisivas y cinematográficas de mediano y gran formato. «Será la casa de todos los autores andaluces y el marco perfecto para una explosión continua de creaciones del sur de Europa», dijo ayer el presidente de la SGAE, Teddy Bautista, para quien Sevilla, y más concretamente, la Isla de la Cartuja, fue desde un principio la opción preferida.
http://sevilla.abc.es/20070519/cultura-cultura/sgae-pone-primera-piedra_200705190318.html

8. Más dinero para el teatro Maestranza


Ya se dijo en su día que de nada servirían las obras del Teatro de la Maestranza si no iban acompañadas de un mayor presupuesto para la programación de espectáculos. Pues bien, la ministra de Cultura, Carmen Calvo, la consejera del ramo, Rosa Torres, y el alcalde de la ciudad, Alfredo Sánchez Monteseirín, tienen previsto reunirse la próxima semana para visitar las obras de ampliación del coliseo sevillano y cerrar un acuerdo sobre sus futuras aportaciones económicas, que actualmente asciende a sólo cinco millones de euros.

9. Abrimos entrada para aquellos que deseen dejar su crítica personal de representación de la 4ª ópera de la ROSS

Pedro Halffter, director musical/José Carlos Plaza, director de escena/Producción, Teatro de la Maestranza Fidelio de Beethoven
Rogamos dejen constancia:
1. de su edad,
2. de su profesión,
3. y de si hacen su crítica en concepto de aficionado abonado, aficionado asiduo, aficionado eventual, aficionado casual o miembro de la orquesta.
Publicado por Rafa Ruibérriz en 22:40

10. Próxima cita, “Fidelio”de Beethoven (11, 14, 17 y 20 de mayo)


El Teatro de la Maestranza se viste de gala el próximo viernes para acoger uno de los espectáculos estrella de toda la temporada. Se trata de la ópera «Fidelio» de Beethoven, un canto a la libertad con el que el coliseo sevillano vuelve a realizar una producción propia.Para el director artístico del Maestranza y titular de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Pedro Halffter, esta ópera «es muy importante para nosotros porque es una nueva producción propia del teatro y además porque es una ópera en la que, según se indica en el libreto, aparece el nombre de Sevilla reflejado dos veces en los diálogos». Para este maestro la obra de Beethoven es una directa heredera de las óperas revolucionarias de Cherubini, «destacando especialmente por su humanismo y por la exaltación de los valores de la libertad».La ópera se estrenó en Alemania en su primera versión el 20 de noviembre del año 1805, asistiendo a la función mucho público francés. El atractivo de la historia es que se basa en un hecho real que sucedió en el país vecino durante la Revolución Francesa y que el propio Beethoven trasladó a Sevilla. El compromiso del compositor alemán hizo que la ópera «hablara de la libertad y del deseo de liberarse de la opresión», indica Halffter. Asimismo, en la ópera se refleja una trama amorosa importante. Al final, Halffter reconoce que «hemos hecho una producción universal pero con marcas sevillanas».ParalelismosOtra curiosidad de «Fidelio» es que la obra presenta fragmentos casi idénticos a otras de Beethoven. «El último movimiento de la «Sinfonía Heroica» comienza casi igual que el cuarteto final del segundo acto de la ópera. En «Leonora» aparecen tres trompas como en «Fidelio» simbolizando el heroísmo. Además el coro canta una parte de la «Oda a la alegría de Schiller» que es muy similar al de la «Novena Sinfonía»».Una de las caracterísiticas que Halffter ha querido destacar de esta nueva producción del Maestranza es que «se trata de una ópera oscura porque el primer acto de la misma transcurre en el patio de una cárcel, mientras que el segundo se desarrolla en el sótano de esa cárcel». En ese sentido, la temporada 2006/2007 comenzó con otra ópera bastante «oscura» -«Der Ferne Klang»-, continuando el mismo tono con el «Romeo y Julieta» de Gounod y «Tosca» de Puccini.Por otro lado, Halffter es consciente de la importancia que tiene para el futuro del Maestranza la realización de producciones propias: «Ahora mismo hemos alquilado nuestra producción de «La Sonámbula» para Génova. A nosotros nos encantaría tener una producción propia cada temporada, pero eso no depende de nosotros, sino del Consejo de Administración del Teatro. Para ello necesitamos el apoyo máximo de cuantas más administraciones sea posible». En este caso «Fidelio» ha contado con un presupuesto de 300.000 euros, aportando 100.000 euros la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales. De hecho, esta última institución ha encargado para la próxima temporada al Maestranza eventos que tengan que ver con el mito de Don Juan.Uno de los valores más destacados de esta producción del Maestranza es la dirección escénica de José Carlos Plaza. «Es la primera vez que un director de escena español hace un «Fidelio». Él ha hecho un trabajo con gran fuerza dramática. Ha habido movimientos de escena que duran sólo cinco minutos pero que hemos ensayado 30 horas».Tampoco Pedro Halffter quiere pasar por alto la enorme aportación del Coro de la Asociación de Amigos del Maestranza y de todo el cuerpo técnico del teatro.
ABC: ANDRÉS GONZÁLEZ-BARBA

11. Las diez mejores orquestas del mundo.

Las principales revistas musicales europeas han realizado una encuesta entre sus redactores y colaboradores para hacer una votación de la cual debían salir elegidas las diez mejores orquestas del mundo. El resultado ha sido relativamente previsible. De las orquestas seleccionadas, cuatro son alemanas, dos británicas, una austríaca, una holandesa, una rusa y una checa. Curiosamente, ni una sola norteamericana, a pesar de que tanto la Sinfónica de Chicago como la de Cleveland y la de Boston suelen ser citadas siempre entre las mejores. La campeona ha sido la Filarmónica de Viena, seguida de cerca por la Filarmónica de Berlín. Un poco más atrás se encuentran, en distinto orden, la Sinfónica de la Radio Bávara, la Staatkapelle de Dresde —que además es la más antigua del mundo: se remonta a finales del siglo XVII—, la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, la del Concertgebouw de Amsterdam, la Philarmonia y la London Symphony, la Filarmónica de San Petersburgo y la Filarmónica Checa. En el caso de estos dos últimos conjuntos sinfónicos, es muy posible que a algunos de los votantes les haya movido un impulso sentimental. Con ser dos soberbias orquestas, la de San Petersburgo, que dirige Temirkanov actualmente, no ha recuperado la calidad de la maravillosa Filarmónica de Leningrado, que dirigía Mrawinsky y que para muchos fue la mejor de su época. Con la Filarmónica Checa pasa otro tanto, porque tampoco ha recuperado la maravilla que fue en tiempos de Vaclav Neumann. A raíz de la caída del comunismo, ambas perdieron a muchos de sus músicos, que emigraron a Europa Occidental, algunos de ellos a España.

Una encuesta como esta hay que tomarla como lo que es, un examen de un estado de opinión sin mayores consecuencias. Pero es significativa. Todas las orquestas seleccionadas se lo merecen. El aplastante triunfo de las germánicas responde a la realidad de una tradición que ha sobrevivido a sucesivas catástrofes. La música no se improvisa. Es un arte que necesita de un público fiel y constante y de unos niveles de enseñanza altos y exigentes. Ambas cosas se dan en esos países.
Hubo muchas más orquestas mencionadas, por supuesto, sobre todo británicas, alemanas y también de los países nórdicos, en especial de Noruega —cuya Filarmónica de Oslo convirtió en poco años Mariss Jansons en una de las mejores de Europa— y Finlandia —de cuyos conservatorios han salido media docena de directores de primer orden en los 15 últimos años—. Los melómanos españoles podemos consolarnos con la noticia de que una de nuestras novísimas orquestas, la Sinfónica de Galicia, ha tenido unos cuantos votos. Todavía nos queda mucho que andar, sin duda, pero les aseguro que hace 20 años no hubiéramos tenido ni un triste voto.
Publicado por: Javier Alfaya

12. Festival Internacional de Música y Danza de Granada.


Como siempre, el Festival de Granada nos incluye una interesantísima oferta sinfónica en la programación de su edición 2007: siete conciertos en el Palacio de Carlos V. La ROSS y la Orquesta Ciudad de Granada compartirán programa con dos orquestas de primera, la Orquesta de París y la ya más que conocida por todos los aficionados andaluces Staatskapelle de Berlín. Supondrá no sólo un enriquecimiento para melómanos sino también para nuestras orquestas que deberán darlo todo para estar a la altura de las compañeras.
http://www.granadafestival.org/busqueda.asp
Staatskapelle de Berlín: http://www.staatsoper-berlin.de/staatskapelle/
Orquesta de París: http://www.orchestredeparis.com/actu.HTM.

13. Edimburgo, algo más que patrimonio


Aparte de su perfil histórico, Edimburgo también se caracteriza por su modernidad y dinamismo, una ciudad rebosante de arte, cultura, museos, galerías, universidades y festivales. A lo largo de todo el año organiza distintos festivales, pero es en agosto cuando acoge el mayor despliegue mundial de arte, música, teatro, danza y espectáculos callejeros.(Edinburgh's Festivals, Snowdrop Festival, Ceilidh Culture, Science Festival, Leith Festival, Edinburgh Art Festival, Jazz and Blues Festival, Military Tattoo, Festival Fringe, International Festival, Book Festival, Film Festival, Festival of Politics, Edinburgh Mela, Edinburgh´s Christmas, Hogmanay.)

Para más información:



Publicado por: Antonio Gómez Rodríguez

14. Berlín cultural


Desde la caída del Muro en 1989 y su posterior nombramiento como nueva capital de la Alemania reunificada, Berlín ha pasado a ser una de las ciudades europeas con mayor oferta cultural.
Aparte de sus numerosos monumentos y de su nueva arquitectura vanguardista, sus grandes eventos y festivales se han convertido en atractivo turístico de la ciudad a nivel internacional. Entre ellos destacan el Festival Internacional de Cine (Berlinale), la celebración de la Nochevieja en la Puerta de Brandemburgo, el Carnaval de las Culturas y el famoso Festival Internacional de Música Electrónica (Love Parade).
Para más información:
www.berlin-tourist-information.de/espanol/index.php
Para conocer toda la oferta cultural de Berlín:
www.berlin-tourist-information.de/espanol/es_events.php

Publicado por: Antonio Gómez Rodríguez

15. XIV Muestra de Música Antiguo Castillo de Aracena


Del 1 al 8 de Julio tendrá lugar la 14ª edición de la Muestra de Música Antigua de Aracena con cursos para instrumentistas y cantantes de música antigua e interesantes conciertos tanto en el Tetro Sierra de Aracena como en la Iglesia del Castillo.

http://www.musicantiguaracena.com/

16.Temple Bar, el barrio cultural de Dublín


Temple Bar, el barrio cultural de Dublín, está situado en la orilla sur del río Liffey. Ocupa aproximadamente 13 hectáreas y alberga unos 3.000 residentes, 400 negocios y unas 50 organizaciones artísticas y culturales, en una zona muy cercana al centro histórico de la ciudad.
Todo aquel que llegue a Dublín puede obtener información sobre este barrio en el Centro de Información Cultural de Temple Bar, situado en el número 12 de East Essex Street, Temple Bar, Dublín 2.

Para más información visiten la web: http://www.templebar.ie/

Publicado por: Antonio Gómez Rodríguez

17 La Orquesta Sinfónica de Castilla y León ya cuenta con sede estable


El pasado día 11 de abril, en la ciudad de Valladolid, se inauguró el nuevo auditorio Miguel Delibes con un concierto extraordinario dirigido por su profesor titular, el colombiano Alejandro Posadas. Dicha sede estable de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, con un coste de 75 millones de euros y bajo el diseño del arquitecto Ricardo Bofill, cuenta con un aforo de 1.800 localidades, una sala de música de cámara y un teatro experimental.Además del auditorio Miguel Delibes, el Centro Cultural en el que queda emplazado dicho equipamiento, albergará al Conservatorio Profesional de Música, la Escuela Superior de Arte Dramático y la Escuela Superior de Danza, además de poseer de varias salas de ensayo para actividades escénicas y musicales.
http://www.fundacionsiglo.com/destacado_11_01_07/auditoriaSinfonica.html
http://www.nortecastilla.es/20070411/valladolid/orquesta-sinfonica-castilla-leon_200704112138.html
http://participacion.nortecastilla.es/comentarios/post/2007/04/11/la-orquesta-sinfonica-castilla-y-leon-estrena-auditorio

17. Crítica concierto 9 de abono

Me presento, soy ANÓNIMO, tengo categoría de Licenciado en Música y soy un oyente asiduo de la ROSS, además de haber escuchado otras muchas orquestas en directo y tocar un instrumento de orquesta.
Diré una crítica ácida y rápida del concierto y de la evolución de la ROSS en los últimos tiempos.La primera parte transcurrió sin pena ni gloria, un Debussy con escasos planos sonoros para dormir y el Concierto Nº5 de piano de Saint Saens que era un mero pastiche de temas sin unidad ni coherencia aparentes.
La 4ª de Brahms, gran sinfonía donde salen a relucir las grandes virtudes y defectos de esta orquesta. En la orquesta hay un alto compromiso con el sonar homogéneo, afinado, muy grande y redondo. Este compromiso, a priori a uno le encanta. Cuando vas viendo pasar repertorios distintos, directores distintos, esta obsesión se empieza a convertir en algo que hace sacrificar musicalidad, (¡¡todo suena a lo mismo!!!) la flexibilidad y la frescura del fraseo, y fundamentalmente la articulación.
Ayer en Brahms, la cuerda no era capaz de hacer un ataque sin "<", y no conectaba frases porque siempre hay "messa di voce" en cada nota, y en una 4ª de Brahms, donde abundan temas de articulación muy exigentes, tira por tierra todo el jugo musical de estos.
En cuanto a la sección de viento madera, una excelente flauta , un oboe saliendo del paso, un excelente fagot y ... un inexistente sonido de la sección de clarinetes, cuando algún solo lejanamente llegaba se interpretaba con un vibrato y un fraseo queestaban fuera del estilo, algo más próximo quizás a Copland que a Brahms. Esta carencia de sonido en esta sección realmente produce momentos de vacío en el diálogo imitativo de las distintas secciones de viento, dejando a veces contrapuntos de acompañamiento en primer plano, como fue el caso del precioso solo de clarinete del 2º mov con contrapunto de fagot, con resultado bastante desagradable.
En general, estoy disgustado con la evolución que está teniendo nuestra orquesta, la actitud a la hora de tocar es de una orquesta cansada y atrapada en la rutina, cayendo constantemente en interpretaciones planas y sin sustancia. Mi sugerencia constructiva es que se abandonen los clichés sobre el sonido y que se apueste por interpretaciones más vivas y enérgicas. Un modo de conseguir esto es haciendo venir más a menudo orquestas de fuera para que la plantilla de la orquesta se sienta más estimulada y haya más capacidad autocrítica y realmente traer directores de 1ª fila. La experiencia escuchando a la orquesta de Madrid fue realmente positiva.
Con las mejores intenciones, ANÓNIMO

19. Audiciones Ross

Compañeros flautistas:
La Real Orquesta Sinfónica de Sevilla convoca tres plazas de violín (concertino, ayuda de solista de de violines segundos y violín tutti), una de contrabajo, otra de trompa y de nuevo la de flauta solista. A quienes después de tantas malas experiencias en audiciones no creen que existan ya pruebas justas y sin interferencias sospechosas, les comunico, en nombre de muchos de los presentes en la pasada convocatoria de la ROSS, que en ésta el proceso de selección de los canditatos es completamente válido y justo.
http://www.rossevilla.com/audicionesc.html (Concertino)
http://www.rossevilla.com/audiciones.html (Resto)

20 Obras maestras de Debussy, Saint-Saëns y Brahms interpretadas por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla


Jueves 19 y Viernes 20 de Abril de 2007. Ciclo de Abono.
Marc Soustrot DirectorJ.

Philippe Collard Piano
En este concierto y por primera vez interpretado por la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla se interpetarán dos de los tres Nocturnos orquestales compuestos por Claude Debussy (1862-1918).

La ROSS interpreta también en estreno el Concierto para piano y orquesta nº 5, Op. 103 "Egipcio" en Fa mayor de Camille Saint-Saëns (1835-1921). Saint-Saëns fue un compositor muy reconocido en su tiempo, tanto en Francia como en el resto de Europa y en América. Trató prácticamente todos los géneros musicales. De hecho, fue pionero en escribir música para cine, (L´assassinat du Duc de Guise, Le Bargy y Calmettes, 1908). El nombre del Concierto para piano nº 5 en Fa mayor "Egipcio", con el que la obra se conoce viene de la gran afición del compositor a los viajes. Argelia y Egipto eran sus destinos favoritos.

Como colofón, la Ross trae el exponente fundamental del mundo musical germánico de la segunda mitad del siglo XIX que estaba dividido entre los defensores de la "nueva escuela alemana", seguidores del lenguaje de Wagner, y los "conservadores", que continuaban la tradición formal heredada de los maestros clásicorománticos. Johannes Brahms (1833-1897) no se vio fuera de esta controversia. Hubo que esperar a revisiones como la de Arnold Schönberg para que la figura de Brahms recuperase su auténtica dimensión, como uno de los mayores y más influyentes compositores de su tiempo. Un maestro en el dominio de la claridad formal y la economía de medios, que innovó en la manera de crear la gran forma a través de la variación continua. La Sinfonía nº 4 en Mi menor, Op. 98 fue la última de las de Brahms, estrenada en 1885.
Más información: http://www.rossevilla.com/

21. Acercamiento a la ROSS


La Orquesta Sinfónica de Sevilla, dependiente de la Junta de Andalucía y del Excmo. Ayuntamiento de Sevilla, se constituye en 1991. Desde entonces ha venido desarrollando una labor fundamental en la difusión musical convirtiéndose en bien cultural indiscutible y en referente obligatorio tanto en el panorama sinfónico nacional como internecional. En 1995 S.M. Don Juan Carlos I le concedió el título de Real, adoptando así el nombre de Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS).

Actualmente está integrada por ciento tres profesores y cuentan con Pedro Halffter como Director Titular y Artístico. Entre las actividades que realiza la Orquesta, destaca el ciclo de abono que cada temporada desarrolla en el Teatro de la Maestranza entre los meses de septiembre y junio, así como las producciones en las que colabora con este mismo teatro y que la han convertido en una Orquesta de foso de nivel inusual.
Además de realizar conciertos sinfónicos, presta atención a otros repertorios menos usuales como la música de cine y la música popular. Pero también los ciclos de música de cámara están entre las labores de organización y colaboración de esta Orquesta. Cuenta para ello con la Orquesta de Cámara de la ROSS y con varios grupos integrados por profesores de la propia Orquesta.También participa en actos institucionales, realiza giras nacionales e internacionales así como grabaciones para radio y TV.
Programa, asímismo, conciertos de carácter didáctico como la popular obra de Prokofiev "Pedro y el Lobo" que este año la Sinfónica y Los Ulen han acercado a 7.200 escolares sevillanos.
Pero quizá la mayor aportación al enriquecimiento cultural en su área no sean las actividades que programa sino la creación de numerosos grupos de cámara, la labor docente que muchos de los maestros de la ROSS realizan y la existencia de una Asociación de Amigos de la ROSS. Todos ellos, son factores que ejemplifican la influencia de la Sinfónica en su ciudad y su entorno.